Blog

No es fácil romper los límites físicos y formales, justo es reconocerle a ellas que lo han conseguido. Místicas o alucinadas, por transtorno o inspiración crean arte de modo intuitivo y nos llenan de ideas originales con total naturalidad. En cualquiera de sus facetas artisticas, mujeres con un gran ingenio, con una capacidad increible para ir y venir incluso mezclar en un solo acto realidad y fantasía.

Metáforas esculpidas en laberintos de sombras, sombras que nos cuentan historias diferentes a lo que realmente son e historias tristes dormidas en la sombra que ahora se manifiestan en
forma de araña gigante. Lograr que luzca el vacio, jugando con luces y sombras inventadas , hacer que la perpectiva delire y de pronto vuelva a surgir como un dragón de entre las tinieblas , en el corazón de la ciudad, aleteando con gracia su cola y dibujando fantásticos trazados curvilineos como si de magia se tratase.

Atrapándonos y arrastrándonos a una corriente llena de pasiones. Mágicas habitaciones de colores, formas y espejos infinitos, sueños y pesadillas. Espacios de paz pero támbien de inquietud. De color, de naturaleza, de blanco y de austeridad. De bienvenida o de terror. Porque todas las sensaciones que forman parte de sus vidas se convierten en nuestras cuando entramos en sus obras.

Zaha Hadid -que tiene doble nacionalidad británica e iraquí- nació en Bagdad (1950-2016). Estudió Matemáticas en la American University en Beirut entre 1968 y 1971. Después de obtener su título regresó a Londres para estudiar en la Architectural Association donde obtuvo su diploma en 1977.

Zaha Hadid es la primera mujer arquitecta, con una amplia producción arquitectónica global en diferentes lugares del mundo. Su obra construida ha sido reconocida con numerosos premios. Pasará a la historia por ser la primera mujer en recibir el premio Pritzker de arquitectura en el año 2004. Su reputación internacional se disparó en el año 1988 tras la muestra de sus increíbles dibujos arquitectónicos dentro de la aclamada exhibición «Deconstructivismo en la Arquitectura» en el museo MoMA de Nueva York.

Las obras de la arquitecta iraquí se identifican por un carácter deconstructivista que propone la segmentación de estructuras que generan espacios desintegrados y desencadenan formas irregulares. Esta corriente destruye la idea de que las construcciones deban ser simétricas para alcanzar proporción, potenciando las asimetrías.

Por otro lado, sus obras se relacionan con el movimiento de la arquitectura del siglo XXI conocido como neofuturismo. Las creaciones de Zaha Hadid constan de una gran complejidad técnica y la utilización de materiales novedosos que son incorporados gracias a la aplicación de la tecnología en el proceso de ejecución, como parte integrada en las instalaciones de los edificios. Un factor común a esta corriente es que parte del ideal de reunir arte, tecnología y ética. De esta manera, las estructuras de Zaha Hadid crean una visión de los edificios que formaran parte de las ciudades del futuro. Hadid concebió su trabajo con una visión hacia nuevos conceptos y formas visionarias, con el proposito de dotar a las ciudades de realidades utópicas en las escenas urbanas, consiguiendo con éxito espectacularidad, innovación, plasticidad, atrevimiento y sutileza en sus obras.

Centro Cultural Heydar Aliyev, levantado en Bakú (Azerbaiyán). En un mundo estructurado de formas, las propuestas de Hadid rompen con lo común, lo habitual, lo lineal. Su estilo domina a la perfección las formas no rectilíneas, sobre todo las formas tridimensionales. Lo podemos observar en el trazado sinuoso y elegante del Heydar Aliyev Center en Baku, fluidez geométrica en lo exterior que tiene su correspondencia tanto en la sala de conciertos como en el hall interior.

Vista de la bodega rioja de Viña Tondonia en Haro de María José López de Heredia. Zaha Hadid, especialista en establecer ese diálogo con el entorno a través de la arquitectura, utiliza esa filosofía que se completa con la magia que la sabiduría de la tierra riojana y el tiempo les conceden para la transformación de la uva en vinos finos de calidad. Consiguiendo integrar a la perfección tradición y modernidad, vino y estética, naturaleza y arquitectura.

La relación entre el edificio y la ciudad es una constante en su obra. El caso paradigmático del Pabellón Puente construido para la Expo de Zaragoza de 2008 -una de las obras más representativas de su carrera-, aúna el virtuosismo técnico de una complicadísima obra de ingeniería con la funcionalidad, el contenido y el diseño interiores de un espacio de reflexión colectiva sobre el agua y el desarrollo sostenible. El hecho de que el diálogo sobre el agua se realice sobre un río tan simbólico como el Ebro no sólo acentúa el carácter desafiante del reto global, sino que permite identificar también el corazón y la puerta de entrada de la ciudad que lo invita a pensar “desde dentro”.

Artista japonesa, nacio en Takasaki en 1968. Esculpir con la única herramienta de luces y sombras es el resumen de su obra, con lo material (objetos) y lo inmaterial (luces y sombras). Cuando miras por primera vez el trabajo de Kumi Yamashita, ves las siluetas de las personas, pero cuando miras más de cerca puedes ver que son sombras proyectadas por una variedad de elementos cotidianos, como bloques de madera, telas, hojas de papel, o placas de aluminio y acero inoxidable. La artista une estos elementos a las paredes, que luego ilumina una luz estratégicamente colocada en el ángulo correcto, transformando elementos simples y cotidianos en extraordinarias obras de arte.

“Es muy importante que la obra de arte ocupe el espacio de una manera equilibrada y armoniosa. En la sombra, hay muy poca información para el espectador: básicamente es un vacío. Lograr que luzca y se sienta natural, y también imparta una sensación de energía o emoción, puede ser el mayor desafío”.

El potencial artístico de Yamashita no tiene límites. Es capaz de componer un retrato en negativo combinando materiales tangibles e intangibles, y convertir una hoja arrugada de papel en una obra digna de inmortalizar.

“Esculpo utilizando la luz y la sombra.”

La fotografía es la relación entre la luz y la perspectiva, y eso no se hace más evidente que en estas fotos que pueden llevar doble interpretación, donde la sombra puede contar una historia diferente a la real. Teniendo la luz y la perspectiva correcta y además la hora exacta, se pueden crear misteriosas y poderosas fotos. Con un buen sentido de perspectiva y una buena observación al mundo que te rodea.

“La estética japonesa de reducir las cosas a su esencia tal como se hace en la poesía haiku o ikebana o en los jardines zen, junto con la mano de obra experta exhibida por artesanos japoneses, ha influido de lleno en mi trabajo”, sentenció.

Madera tallada, fuente de luz única, sombra. Colección privada. Escultura de madera de cerezo que muestra la sombra de una mujer sentada en una silla.Trabajando en bocetos para lograr la composición y escala correctas, tallar, lijar y agregar toques finales como pintar y construir la lámpara, la pieza es un logro asombroso. Directamente, y sin luz, pensarías que solo estás mirando piezas de madera simples. Sin embargo, desde la vista lateral, notará las intrincadas tallas en las patas y el respaldo de la silla. Cuando la luz golpea la escultura a la perfección, una figura fantasmal emerge de las sombras.

Nacida el 22 de marzo de 1929, es una artista japonesa. A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg.

“A través del arte, pude entrar en la sociedad normal”

A los 10 años entra en contacto con el mundo del color y la plástica. Enamorada desde entonces de los lunares (polka dot), empieza a realizar obras donde la fantasía y la realidad conviven en entornos en los que nada es lo que parece. Retratos de su madre plagada de lunares. Obras que pretenden reflejar las inquietantes alucinaciones que produce su propia mente… La solución que encontró Kusama para contrarrestar los efectos de su desorden mental fue, sencillamente, pintar aquello que veía. La niña Yayoi Kusama vive aún en sus Infinite Rooms, en los lunares que siempre vuelven, en las flores que brotan a medio camino entre el paraíso y el infierno. El mundo artístico de una de las creadoras contemporáneas más fascinantes tiene su origen en las pesadillas que nunca la abandonaron. Pero al crecer, despliega la belleza más especial ante los asombrados ojos del espectador.

“Mi arte es una expresión de mi vida, en particular de mi enfermedad mental”.

Sus representaciones de calabazas, una colección de piezas que celebra la “generosa sencillez” de este vegetal.

El amor de Kusama por las calabazas nació durante su infancia y ha dado forma a su práctica artística durante más de 70 años. Ya sea que aparezcan como dibujos detallados, esculturas públicas o instalaciones inmersivas, las representaciones estilizadas de la humilde calabaza de Kusama se han convertido en algunas de sus piezas más conocidas, y se encuentran entre las obras maestras más icónicas del arte contemporáneo.

MATRIZ DE DOT | La instalación de Kusama de 1998 Dots Obsession.
Foto: colección de les abbatoirs, musée d’art moderne et frac midi-pyrénées, toulouse, cortesía de yayoi kusama studio

Cristina Iglesias (San Sebastián, noviembre 1956) es una de las artistas españolas más reconocidas.

A lo largo de su carrera, Iglesias ha definido un vocabulario escultórico único, creando ambientes inmersivos y experienciales que referencian y unen la arquitectura, la literatura e influencias culturales específicas del lugar. A través de un lenguaje de formas naturales y construidas en varios materiales, redefine poéticamente el espacio al confundir interior y exterior, orgánico y artificial, combinando materiales industriales con elementos naturales para producir nuevos espacios sensoriales inesperados para el espectador.

La continua tensión entre lo visible y lo invisible en la obra de Iglesias, y lo aparentemente fronterizo de sus piezas, tratan de vincular espacios y abrir puertas a lugares invisibles.

El trabajo de la artista donostiarra recrea los cuatro elementos de la naturaleza de una forma contundente, muestra el poder de lo vivo presente en los materiales inertes que nos rodean y, en definitiva, conecta mundos cercanos en lo físico y lejanos en lo cotidiano, sin los que la existencia del individuo no sería posible.

Cristina Iglesias ha reinventado la escultura, es la creadora que más ha contribuido a la renovación del lenguaje plástico. Ha sabido romper, como nadie, con el concepto establecido de arte. Sus esculturas suspendidas, fuera de peanas, están cargadas de historias misteriosas a base de juegos de sombras y volúmenes. Las referencias históricas, los ritmos y su manera de tejer dimensiones íntimas en espacios públicos, hacen que su obra alcance dimensiones insospechadas.

«Sí, soy bastante desastre. Hay un desorden que forma parte de mi manera de ser. Pero en mi cabeza hay un orden lógico que yo entiendo, una especie de hilo que me conduce a una idea, a otra, que me lleva de un proyecto al siguiente».

Vegetation Room XVIII (wet maze), 2016.

Polvo de bronce, resina de poliéster, fibra de vidro y acero inoxidable.
Fundación Juan March, Madrid, España.
Foto de Luis Asín.

Habitaciones y Laberintos

Las habitaciones vegetales, sinuosos pasillos abiertos al cielo, pero cuyas paredes son tan altas que sin embargo crean una fuerte sensación de encierro. La naturaleza aparece como un claro equivalente a las formas arquitectónicas que inicialmente inspiraba, pero desde una perspectiva distorsionada.

Corredor Suspendido

Hierro dulce trenzado, cables de acero y sombra. Colección Tate Modern, Londres, Reino Unido Pabellón Suspendido en Habitación I, 2005

25 de diciembre de 1911 – 31 de mayo de 2010), fue una artista y escultora francesa nacionalizada estadounidense. Conocida por sus esculturas de arañas, que le valió el apodo de “Mujer Araña”, es una de las artistas más importantes del arte contemporáneo. Su escultura arácnida más grande se titula Maman y ha sido exhibida en numerosos lugares del mundo, con una altura de más de 9,27 metros.

Reconocida como fundadora del Arte Confesional, Sus trabajos hacen referencia a la figura humana, y sus fragmentos, expresando temas como la traición, la ansiedad y la soledad. Su trabajo era puramente autobiográfico y estaba inspirado en su trauma de la infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre y su niñera y la tolerancia incondicional de su madre.

En 1930, Bourgeois entró en La Sorbona a estudiar Matemáticas y Geometría, materias que le atraían por su estabilidad. Louise aseguraba: “Mi única forma de obtener paz mental era mediante el estudio de leyes que nadie podía cambiar.

La muerte de su madre la inspiró a dejar las Matemáticas y comenzar a estudiar Arte Moderno, del que su padre se burlaba.

Su impulso creativo parecía encontrarse en sus traumas de la infancia y basó sus temas principales en la crudeza de las emociones, traducidas en materiales orgánicos(madera, hilo, papel…) y también materiales industriales reciclados (cristal, caucho, bronce…). Usó también materiales rechazados por el océano que ella reciclaba para crear arte.

Como escultora vio que podía trasladar mágicamente lo inmaterial en materia y siguiendo esa alquimia mezcló su cóctel de relaciones humanas, maternidad, sexo, represión y dolor.

Aunque la obra de Bourgeois abarca la pintura, el dibujo, el grabado y la performance, la artista es más conocida por sus esculturas.

Las Celdas de Louise Bourgeois, una amplia representación de las innovadoras y sofisticadas obras escultóricas. El público puede conocer y experimentar espacios arquitectónicos cargados de emoción que separan el mundo interior del exterior y que representan, en cada caso, un microcosmos particular. La serie de las Celdas gira en torno al deseo de recordar y olvidar a un tiempo. “Tienes que contar tu historia, y tienes que olvidarla. Las agujas, hilos y husos que se integran en las obras aluden a la niñez de la artista y al oficio de sus padres, ya que su madre era restauradora de tapices.

Título original: Arch of Hysteria
Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Escultura (83,8 x 101,6 x 58,4 cm.)
Mujer, Bronce.

Louise Bourgeois se metió de lleno en el psicoanálisis durante buena parte de su vida. Y una cosa que tenía el psicoanálisis era ese interés de Freud en “la mujer histérica”, esa loca que llegaría a tener contorsiones donde el cuerpo se arquearía en el aire.

A Louise le pareció interesante que el cuerpo reaccionara así ante heridas psicológicas y emocionales. Y si el cuerpo puede, es lógico que lo haga también la escultura.

Mamá (Maman), de casi 9 metros de altura, es una de las esculturas más ambiciosas de Bourgeois y pertenece a una serie inspirada en la araña, motivo que apareció por primera vez en varios dibujos realizados por la artista en la década de 1940 y ocupó un lugar central en su obra durante la década de 1990. Las arañas, que Bourgeois presenta como un homenaje a su
madre, que era tejedora, ponen de manifiesto la duplicidad de la naturaleza de la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo. La araña utiliza la seda tanto para fabricar el capullo como para cazar a su presa, así que la maternidad encarna fortaleza y fragilidad.

La araña provoca pavor y miedo pero su gran altura, sorprendentemente equilibrada sobre unas ligeras patas, transmite una vulnerabilidad casi conmovedora.